MACBA nuevas piezas

El MACBA está en pleno proceso de cambio la colección y junto a las piezas que ya conocemos del año anterior, van apareciendo nuevas obras, algunas muy interesantes, como For the birds, del artista alemán Thomas Schütte.

For the birds

Esta pieza, no es exactamente una escultura ni una maqueta, sino un modelo. Schütte reflexiona sobre la existencia y se vale de múltiples modos para ironizar sobre los diferentes aspectos del mundo (occidental) donde nos ha tocado vivir.

For the birds, pueden parecer, a simple vista unas encantadoras, idílicas casitas para pájaros, pintadas de colores alegres, amarillo y azul verdemar, rojo con azul claro, hasta que empezamos a contar cuantos individuos pueden habitarlas. En la más grande, 60 pájaros. Demasiados pájaros, demasiado ruido, demasiadas familias. Schütte nos habla de los bloques de pisos adocenados donde se malvive, con un lenguaje aparentemente optimista.

Y por si no nos quedara suficientemente claro, en la misma sala encontramos las fotografías de Thomas Ruff de edificios de viviendas, retratados desde un punto de vista neutro, pero que muestran sin piedad alguna toda su fealdad.

Finalmente, en otra sala encontrmos una magnífica instalación de Öyvind Falström, artista sueco pero nacido en Brasil. La pieza se titula Jardín. Un modelo del mundo y consiste en una serie de macetas que contienen unas plantas de tallo largo y recto con unas flores de grandes pétalos coloreados, todas iguales. El conjunto se muestra en una pequeña sala enmoquetada de verde.

Cuando nos acercamos lo suficiente, vemos que estas flores tan atrayentes contienes mensajes y dibujos ecologistas avant la lettre ( se trata de una instalación de 1973) que explican de una manera explícita como estamos destruyendo  nuestro planeta.

Desde una sala cercana, El mar de Chocolate de Dieter Roth, cada vez más desmoronado y descompuesto, se parece cada vez más a un templo devorado por las lianas de una jungla posiblemente camboyana.

BALLAKÉ SISSOKO VINCENT SEGAL

Escolto el concert de Ballaké Sissoko i Vincent Segal editat com a Chamber Music. Fa més d’un any que va sortir en CD. Ara, per fi, el trobo a Youtube.

El concert m’ha semblat fascinant. Sissoko, músic de Mali, toca la kora, mentre que el francès Segal l’acompanya amb el violoncel. El resultat és una música fresca i viva, i alhora mesurada, atenta, a la permanent recerca de l’equilibri. Potser és l’aproximació de dues cultures musicals diverses el que du a aquest resultat; no m’atreviria a generalitzar, però concorda amb el record que tinc de les gravacions de Ravi Shankar, Yehudi Menuhin i Jean Pierre Rampal que em van educar la oïda musical a la meva joventut.

Sissoko i Segal despleguen una música on el component rítmic domina sobre la melodia però sempre amb un fraseig pausat, no gens sincopat. No ho sé, no en sé res de terminologia musical i no puc parlar gairebé més que de respostes emocionals. La seva música m’ha recordat una mica al jazz que fa dialogar els instruments. I molt particularment m’ha dut al Köln Concert de Keith Jarret: és la mateixa música fluïda que es va desplegant lentament al llarg del temps, que retrocedeix, reprèn vells temes, juga amb ells, però que sobre tot flueix com un riu tranquil ple de sonoritats.

Aquesta és un tipus de música que em sedueix, que se m’endú, que m’arrossega enllà cap a un benestar quasi bé fisiològic. Potser, penso, per que té molt de la música més natural, de la música de la natura, com del permanent anar i venir de les onades a una platja, del so constant dels rierols saltant entre les pedres, del remor del vent que mou les copes dels arbres. Què fa tan atractius aquests sons? El ritme ondulant? La seva continuïtat hipnòtica? Els psicòlegs parlarien dels sons inicials, primordials, que acompanyen a tot nounat com ara el batec del cor de la mare (fins i tot ja en el feliç bany amniòtic de la vida intrauterina, aventuren els més agosarats) o els non-non de les cançons de bressol. Aneu a saber!

http://www.youtube.com/watch?v=-vKpZm2v7cU&feature=related

MÁS SOBRE CLAIRE MORGAN

¡Qué casualidad! Yo tropecé con esta misma foto pero en un suplemento cultural del año pasado.
En el artículo se hablaba de la exposición On & On sobre Arte Efímero que se podía ver en noviembre de 2011 en La Casa Encendida de Madrid.

Me llamó mucho la atención la obra, Fluid,  más que por el pájaro disecado por la sensación de ingravidez de las fresas que formaban como una gran alfombra roja. La instalación constaba de cientos de fresas frescas colgando de hilos de nilon transparentes y producía la sensación de una forma inmóvil en el espacio, de tiempo detenido. Pero los cambios que sufrían las fresas durante las cuatro semanas que dura la exposición, recuerdaban al espectador, por el olor que se va tornando de dulzón a putrefacto, y por el color rojo que se torna gris y finalmente negro, que el tiempo fluye inexorable para las frutas y también para las personas.

Claire Morgan montando la instalación

Detalle de las fresas dos semanas después



En la misma exposición, había otra obra con pájaros, sólo que éstos aún estaban vivos. Se trataba de From here to ear, del artista y compositor francés Céleste Boursier-Mougenot cuya propuesta era mucho más lúdica y menos trascendental. En una mezcla de instalción y performance, crea un paisaje artificial para una bandada de pinzones cebra que al posarse y caminar sobre unas guitarras eléctricase producen diferentes sonidos musicales.  El efecto es cautivador.

Y si no me creéis, mirad este vídeo.

CLAIRE MORGAN

Descobreixo aquesta artista irlandesa i les seves instal·lacions al Cultura/s d’aquesta setmana. La imatge que podeu veure és potser la més impactant de les que li he trobat a internet (i ho és més encara a la mida en que es mostra al suplement de La Vanguardia).

Impactant, sí; i també bella. Copio una mica el comentari del diari: l’autora fa instal·lacions que son imatges congelades on s’imbrica, i es contraposa, un component arquitectònic, sòlid, fix, a un element, sovint un animal dissecat, que aporta acció i moviment, que trenca l’equilibri del conjunt, que el desestructura.

Unió de contraris. A la fotografia hi veiem quietud i moviment; estabilitat i caos. L’obra dóna sensació de lleugeresa alhora que evidencia la complexitat i la dificultat de la seva construcció. És essencialment bella alhora que sinistra (o precisament gràcies a això, el freqüent binomi). No esteu desitjant apropar-vos-hi, passar-hi per sota, sentir a la pell la sensació plaent de perfecció que, ben segur, irradia?

Tot i això, quasi bé des del primer moment m’envaeix un dubte No es pot dir gaire d’unes quantes fotografies quan la matèria artística són unes espectaculars instal·lacions; no us sembla, però, que la sorpresa, la bellesa, la inquietud que generen les obres de Claire Morgan s’han d’esgotar aviat i que l’autora haurà d’afanyar-se a obrir noves línies d’investigació plàstica abans que no ens avorrim?

Ho pensava mentre anava veient tants corbs malmesos a les fotos. I aquests m’han dut als corbs esculpits que jeien morts per terra a l’exposició de Kiki Smith a la Miró. No me n’he pogut estar de comparar les instal·lacions d’una i altra creadores.

Claire Morgan ofereix un espectacle, probablement un espectacle associat a una idea. Kiki Smith ofereix un seguit d’estímuls, sovint una narració (fins i tot, a la Miró, una narració autobiogràfica) que ens interpel·len, que ens demanen una complicitat, que ens obliguen a una resposta, a unes interpretacions. Mentre a Morgan prima la tècnica escenogràfica Kiki Smith utilitza totes les tècniques possibles de creació (potser hi predomina el dibuix sobre paper). Morgan desperta una sensació immediata; Kiki Smith, repeteixo, ens demana una resposta activa.

Estic comparant dos artistes, dues obres. Està bé fer-ho? La creació artística pot ser, és, infinita. Un barboteig dadà és art; també ho és Santa Maria del Mar. La valoració subjectiva és perfectament acceptable; és el que jo faig, i ja veieu que l’empremta que m’ha deixat Kiki Smith no es la mateixa que... (perquè no he vist mai una obra de la Morgan en directe?). Però potser aquest tipus de valoració està bé per parlar-ne en un sobretaula, no per fixar-lo en un blog.

Ai, em sembla impossible arribar a ser un crític d’art! Vosaltres què n’opineu de tot plegat?

LA FALDILLA VERDA

Tres dones africanes caminant per un terra torturat sota un cel incandescent.

Tres siluetes de dones. Tres figures congelades en el seu moviment.

Me les miro una bona estona. Les vaig fent meves alhora que se’m tornen estranyes. Són realment dones les tres? Com més estona passa, més les veig com a icones que no pas com a individus.

Les hi trobo un ressò de ritual, de processó, en el seu caminar. Com als personatges de les ares romanes, com a les representacions dels tres reis d’orient.

M’agrada com estan pintades. Aquarel·les ràpides (el viu del verd i del magenta em fa pensar més aviat en anilines), traç atzarós. Me n’adono que estic mostrant sempre autors que, poc o molt, treballen la pintura gestual: Bissier, Twombly... No amago les meves preferències.

L’obra s’anomena La faldilla verda. No cal que l’autor ho remarqui: la figura del mig és l’element central de la composició. Atractiva, descarada, lluminosa, efervescent, atrapa la meva mirada. La de tothom, suposo. Ella no camina. S’ha aturat i ens mira. Orgullosa mostra la seva faldilla, la seva jupe verte que atreu tota la llum de la composició. És la viva imatge de l’autoafirmació. Segura. Desafiadora, provocativa. «Jo sóc», ens diu.

Des de fa uns dies he deixat la pintura d’en Barceló com a salvapantalles de l’ordinador. Quan l’obro em trobo la noia de la faldilla verda. «Jo sóc», continua dient-me. I em transmet la seva energia i el seu orgull. M’anima a que li respongui. «Jo també sóc», m’agradaria contestar-li.

Mal de olor

Centre d’Art Santa Mónica Junio 2011

Mal olor… Mal de olor

Tengo mal de olor y va ser difícil de curar. Imaginaros todas las notas olfativas que pasan a lo largo del día por nuestras narices, la nariz como entrada directa a nuestro cerebro. No descansa nunca ¿quié no se ha despertado por un olor concreto, quién no ha entrado en una galería de arte o museo y se le ensanchan los pulmones porque se respira paz? Pues no sólo es paz lo que se respira.

Desde que el Sr. Ventós nos ha mostrado una manera de mirar el arte a través del olor, no he podido descansar. Después de recorrer visualmente y olfativamente las 88 obras que presenta esta exposición (sin unos granos de café que hubiesen servido para ir limpiando los diferentes aromas y poder distinguirlos mejor), continúo la visita por el Santa Mónica.

La obra de Julio Vaquero con sus escenografías que luego pinta de esta manera tan maravillosa. Leo sobre la exposición de Vaquero “En la llibertat estètica la pintura parla quan s’esberla la forma i és així que la representació sagna i flueix quan els referents supuren l‘or i el greix, en el trànsit del temps que es la llum”.

Recorro los diferentes espacios y me vienen a la memoria las notas olfativas del Sr.Ventós. Huelo a gresólica, polvo, metálica, química, ahumada de sus pinturas. No puedo evitarlo.

Estoy salvada, podrá descansar mi nariz. Unas muy interesantes fotos, del modelo de Josep María Sert y del complejo sistema de montar escenografías con o sin personajes, para estudiar la composición de la obra, las poses de los modelos, para luego pintarlas en un proceso muy artesanal para mí es el mismo sistema que Vaquero. Pero viendo las fotos de su taller, el olor a pintura, madera, disolvente, no puede ser. Pero en el centro de la exposición hay una instalación que alude a una maqueta: una cámara de luz, una caja forrada con pan de oro donde el visitante puede formular su propia “Imago mundi”: algo tangible.

Continúo por la última exposición. Ahora sí que podrá descansar mi nariz, unos artistas de “medi art i art interactiu”, que aplican la teoría de los principios de sistemas vivos, relacionados con la ecología la vida artificial y las ciencias de la complexitat.

Como son Crista Somerer y Laurent Mignonmeau co su obra “Sistemas Vius” según presentación de sus trabajos, parece que no haya mucho que oler y podré volver, sólo a mirar la obra.

Una gran pantalla con sabrosas frutas tropicales, otra con unos maravillosos sistemas vivos, un campo verde maravilloso unas flores de vivos colores ya se dispara el olfato huelo a agresta, herbácia, cítrica, aromáticas.

Acompaña la exposición unas butacas sensoriales: todo mi cuerpo vibra. Salgo a la calle, no a una calle cualquiera; las Ramblas, el olor a turista, a gresolica a marina a todas. No me lo puedo creer, no podré mirar nada sin olerlo?

Me doy un tiempo. Mañana será otro día.

Tengo que escribir algo, pero primero abro nuestro bloc.

Ona Parpal cuelga un estupendo video, imágenes de una trobada, patio de colegio,

Me transporta a mi patio de colegio, el olor de de gente joven, calor sudor, compañerismo ¿a que huele? No tiene nota olfativa. La ocurrente simpleza de sus dibujos ¿A que huelen? ¿A grafito del lápiz? ¿El olor a folio? me vienen mil olores.

La libreta de Rosa a que huele una pagina en blanco? ¿A que huelen las vivencias.. La pizarra de Marta y La habitación de Lluís,todos vuestros escritos, los repaso y acuden a mi memoria olfativa y los voy clasificando.

La nota de Maria Jose,¿ a que huele hospital donde esta Silvia? todos conocemos por desgracia este olor, nos golpea la noticia, ¿a que huele la impotencia ante un hecho?

Pero me quedo con un olor el de mi casa y el de todas nuestras casa.el olor que Silvia abra olido al estar por fin en casa.

Petons a tots,pro especialmente a Silvia.

ESCRIURE, MOSTRAR

Extret de l'article que publica El País/Babelia (16/07/11), Secretos de Hemingway, escrit pel novelista irlandès Colm Tóibín.

En un fragmento eliminado de su relato El gran río de los dos corazones, Ernest Hemingway escribía a propósito de su alter ego: "Quería escribir como pintaba Cézanne. Cézanne empezaba por emplear todos los trucos. Luego lo descomponía todo y construía la obra de verdad. Era un infierno... Quería... escribir sobre el campo de forma que quedase plasmado como había conseguido Cézanne con su pintura... Le parecía casi un deber sagrado". En su remembranza de sus primeros años en París, París era una fiesta, Hemingway escribió también sobre la influencia que había tenido en él el pintor francés cuando estaba aprendiendo su oficio: "Estaba aprendiendo de la pintura de Cézanne algo que hacía que escribir simples frases verdaderas no fuera suficiente, ni mucho menos, para dar a los relatos las dimensiones que yo quería darles. No sabía expresarme lo bastante bien como para explicárselo a nadie. Además, era un secreto".

El secreto estaba en las pinceladas de Cézanne, cada una abierta y de textura visible, con repeticiones y variaciones sutiles, cada una llena de algo parecido a la emoción, pero una emoción profundamente controlada. Cada pincelada trataba de captar la mirada y retenerla y, al mismo tiempo, construir una obra más amplia, en la que había riqueza y densidad, pero también mucho de misterioso y oculto. Eso es lo que Hemingway quería hacer con sus frases. Después de contemplar la obra de Cézanne por primera vez en Chicago, luego en los museos de París y en casa de su amiga Gertrude Stein, lo que deseaba era seguir el ejemplo de esta última y escribir frases y párrafos a primera vista simples, llenos de repeticiones y variaciones extrañas, cargados de una especie de electricidad oculta, llenos de una emoción que el lector no podía encontrar en las propias palabras, porque parecía vivir en el espacio entre ellas o en los repentinos finales de algunos párrafos determinados.

Así, en París era una fiesta, Hemingway pudo escribir: "Pero París era una ciudad muy antigua y nosotros éramos jóvenes y nada era fácil, ni siquiera la pobreza, ni el dinero repentino, ni la luz de la luna, ni el bien y el mal, ni la respiración de la persona que yacía junto a ti bajo la luna". En esa frase consigue manifestar muy poco pero sugerir mucho; en el original inglés, de las 41 palabras, 27 son monosílabas. Eso hace que el lector se sienta cómodo, como si se estuviera diciendo algo sencillo. Sin embargo, está claro, por la puntuación y las variaciones de la redacción, que nada era fácil, sino que era, en gran parte, ambiguo y casi doloroso. En vez de decirlo, Hemingway logra ofrecer la impresión, alivia al lector con la dicción pero luego le sacude con los cambios de tono y significado dentro de cada oración.

La teoría es dejar que el escritor sienta y plasme ese sentimiento en la prosa, lo entierre en los espacios en blanco entre las palabras o entre los párrafos. Así el lector lo siente con más intensidad, porque no le llega como mera información, sino como algo mucho más poderoso. Le llega como ritmo, y le llega con tanta sutileza que la imaginación del lector se dedica por completo a capturarlo con toda su incertidumbre y su peculiaridad. Es decir, tiene un efecto más próximo al de la música, aunque las palabras conservan su significado. Contrapone la estabilidad de significado al misterio del sonido silencioso.